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Press release

PLAY
5 February - 14 March 2009

Monica De Cardenas Gallery is pleased to announce the group show of international
young painters "Play", curated by Nikola Cernetic, with Dan Attoe, Amy Bessone, Michael
Cline, Iain Hetherington, Laleh Khorramian, Friedrich Kunath, Kristine Moran, Helen
Verhoeven and Haeri Yoo.

"For the generation of artists coming of the age now, the decision to become a painter is
no less serious or ambitious than it ever was, but it is more fraught with complications.
Born into a world of accelerated visual overload, where computer games, DVD's and
ceaseless internet images define the stimuli of childhood, today's emerging artists paint
not against competing media but by incorporating that crowded perceptual world into their
canvases.
As a result, 21st century painting already looks distinctive. Surfaces are dizzying, busy.
References are sophisticated, historically astute, laced with humour. Tone is deadpan.
High-low hierarchies have so completely collapsed that quotations from everyday culture
are taken for granted rather than co-opted for aesthetic or political statements. No one is
making statements anyway: a society confused, scary, full of inchoate yearning,
contingent, is what emerges here. Through it all, high key painterliness is in favor".
Jackie Wullschlager, Financial Times "Collecting", Nov.29, 2008

Dan Attoe (*1975 Bremerton, Washington, lives in Portland) is a painter and sculptor, in
his art he used a variety of media, but has become best known for his paintings that blend
noir-ish surrealism not unlike that of filmmakers Gus Van Sant and David Lynch. Attoe
addresses his subjects with genuine empathy, existential inquiry, integrity and an
awareness of moral ambiguity. The figures and spaces portrayed in the paintings are both
real and imaginary. The narratives explore the male identity within popular culture, rural
life and are full of humour and mystery. A bird's eye view perspective is often employed,
inviting the viewer into the story or game from above, a very peaceful and safe place to
observe from. His neon sculptures reveal his attraction for punk rock and his interest for
creative writing. Attoe's work has been seen in a recent solo show at the MUSAC in Leon,
Spain, and a group exhibition at the Saatchi Gallery in London.

Amy Bessone (*1970 New York, lives in Los Angeles) grew up in New York, studied in
Paris, Amsterdam and Bruxelles and later came back to the States, but to L.A. In 2007
she was included in ?Red Eye: Los Angeles Artist from the Rubell Family Collection? in
Miami. Bessone's paintings depict small porcelain figurines blown up to monumental size
against monochromatic backgrounds resembling photographic and theatrical backdrops.
By rescaling and decontextualizing them, Bessone creates for the figurines their own
isolated psychic space. While they engage the viewer in a performative, almost animated
way, they remain frozen, detached as a function of Bessone's brush. Like Picasso's
saltimbanques, they appear removed from the show they are meant to perform.
Since she was a student, Bessone was drawn to the idea of a painting of a sculpture or a
painting within a painting. It's the Shakespearean idea of the play within a play, finding
truth through artifice. Like a plunge into a superficial world to discover an unpublished
depth underneath, thanks to an interacting of sinuous shapes and bright colours

Some paintings by Michael Cline (*1973 Cape Canaveral, lives in New York) remind us
the social critique of George Grosz and Otto Dix. With the choice of bright colours and the
plasticity of his figures he reveals a fantastic and tawdry world usually hidden and silent.
Cline deals with political and social issues, sometimes using writing. He creates violent
and dark scenes with explicit sexual references, as opposed to his soft and almost
nostalgic style of painting.

Iain Hetherington (*1978 Glasgow, lives in Glasgow) has had shows at the Project
Space of the Whitechapel and a solo show at the ICA in London. He works in a variety of
media. His recent paintings show a number of baseball capped protagonists whose
features are obscured by vivid palette-like smears of paint. One could say that these
traditionally demonised characters embody radical forms of subjectivity; at once they
provide a clear signifier of contemporary culture, yet present various abstract de-
faceialised heads.

Serendipity lies at the heart of Laleh Khorramian's (*1974 Teheran, lives in New York)
varied practice, which includes painting, drawing and animation. The Iranian artist paints
in oils and ink on glass and then carefully transfers the image to non-porous paper to
create monoprints. The outcomes are unpredictable, and the resulting abstractions have
densely textured and mottled surfaces that suggest surrealistic, underground worlds. After
identifying suggestive passages of paint and adding details by hand, Khorramian uses the
prints as settings and raw materials for her animated odysseys.

Friedrich Kunath (*1974 Chemnitz, lives in Los Angeles) has had a solo show at the
Aspen Art Museum in 2008 and was included in the 55th ?Carnegie International? in
Pittsburgh. A selection of other recent exhibition venues include the Walker Art Center in
Minneapolis, Tate Modern in London and the Museum für Moderne Kunst in Frankfurt.
Kunath is an eclectic artist who loves to use the most varied techniques (painting,
drawing, installation, photography, literature). His work is tragicomic, sometimes romantic
in his desperate attempt to connect abstraction and representation. Occasionally it seems
to watch a story of heroes without hope, but then - reading a dazzling title or looking at
one of his installations - you find that there is a lot of vital energy and irony, despite
everything seems so universal and not very earthly.
 

Kristine Moran (*1974 Montreal, lives in New York). In Moran's canvases painting is the
absolute protagonist. Colours and the vigorous brushwork interact with a theatrical space
that simulates 3d. The represented spaces are often raped and subverted by a
sometimes apocalyptic event: Stories of fights between vitality and inevitable explosive
failures.

Helen Verhoeven (*1974 Leiden, The Netherlands) Verhoeven's mysterious imagery is
always the product of extensive research, transcending historical and cultural boundaries.
Inspired by a wide variety of material - childhood phantoms, clinical research on
nightmares and the visual language of filmic surrealism, her paintings juxtapose the
familiar with the alien, creating an ambiguous collage of narratives that resist
categorization. What happens next is left to the imagination, resulting in fragmentary
scenes that are charged with lingering uncertainty and tension.

Heri Yoo (*1970 Korea, lives in New York) Like an anthropomorphic car crash, Yoo's
paintings present to the viewer an incendiary collision of colors and angles that still vibrate
and groan with the agony of suddenly arrested, piled up and compacted narratives. Yoo's
work is overwhelmed by a primordial gesture that aims at giving physical signification to
the pre-mirror stage, wherein the differentiation between self, other and environment are
not blurred but non-existent. Rather than originating from a Western expressionistic
tradition, Yoo imbues the whole visual field with a Korean sensibility of brushwork as chi,
or energy, thus giving a life force to the medium itself and our perception of it.

La galleria Monica De Cardenas è felice di annunciare la collettiva di giovani pittori
internazionali "Play", a cura di Nikola Cernetic con Dan Attoe, Amy Bessone, Michael
Cline, Iain Hetherington, Laleh Khorramian, Friedrich Kunath, Kristine Moran, Helen
Verhoeven e Haeri Yoo.

"Per le nuove generazioni di artisti la decisione di diventare pittore non è meno seria
o ambiziosa di come è sempre stato, anzi è più irta di complicazioni. Nati in un
mondo sovraccarico di accelerazioni visive dovute al bombardamento di immagini
mediatiche e tecnologiche fino dall'infanzia, gli artisti emergenti non hanno un
rapporto conflittuale con queste immagini, ma tendono ad incorporarle nei loro dipinti.
Il risultato è che la pittura del XXI secolo ha già caratteri distintivi. Le superfici sono
vertiginose, affollate. I riferimenti sono sofisticati, storicamente astuti e spruzzati
d'ironia. Il tono è impassibile. Le gerarchie tra alto e basso sono scomparse cosí
completamente, che le citazioni dalla cultura popolare vengono date per scontate,
senza venir usate per dichiarazioni estetiche o politiche. Nessuno fa più dichiarazioni:
una società confusa, impaurita, ma piena di desideri incoerenti, di contingenze, è
quello che emerge. Tutto viene espresso con un alto grado di pittoricità e inventiva."
Jackie Wullschlager, Financial Times "Collecting", Nov.29, 2008.



Dan Attoe (*1975 Bremerton, Washington, vive a Portland) è scultore e pittore
conosciuto per i suoi dipinti "noir", surrealisti, che possono ricordare i film di Gus Van
Sant e David Linch. Si rivolge ai suoi soggetti con un'empatia genuina, un'indagine
esistenziale, un'integrità e una consapevolezza d'ambiguità morale. Le figure e i
luoghi ritratti sono al contempo reali e immaginari. Le storie nei suoi dipinti esplorano
l'identità maschile all'interno della cultura popolare, della vita rurale e sono piene di
humor e mistero. Utilizza spesso una prospettiva aerea che invita lo spettatore ad
osservare la scena dall'alto. Il suo lavoro è stato presentato in una personale al
museo MUSAC a Leon in Spagna ed in una mostra collettiva alla Saatchi Gallery di
Londra.



Amy Bessone (*1970 New York, vive a Los Angeles) è cresciuta a New York ma ha
studiato a Parigi, Amsterdam e Bruxelles per poi tornare in America, ma a Los
Angeles. Nel 2007 è stata inclusa nella mostra ?Red Eye: Los Angeles Artists from
the Rubell Family Collection? a Miami. I dipinti di Bessone rappresentano piccole
figurine di porcellana ingrandite in maniera monumentale su fondali monocromi che
ricordano scenografie teatrali o fotografiche. Ridimensionandole e togliendole dal
contesto originario, dà loro uno spazio psicologico autonomo. Esse coinvolgono lo
spettatore in un modo performativo, quasi animato, ma rimangono fredde e
distaccate in quanto funzioni del pennello dell'artista. Come i saltimbanchi di Picasso,
appaiono estraniati dalla rappresentazione di cui dovrebbero far parte.
Fin da studente Bessone era attratta dall'idea del dipinto di una scultura, o del dipinto
nel dipinto. Partendo dall'idea shakespeariana del gioco all'interno del gioco, la
pittrice cerca la verità attraverso l'artificio: un tuffo nella superficialità per scoprire
profondità inedite, attraverso un gioco tra forme sinuose e colori brillanti.



I dipinti di Michael Cline (*1973 Cape Canaveral, vive a New York) ricordano la
critica sociale di Georg Grosz e Otto Dix. Utilizzando colori luminosi e un segno molto
plastico, ci svela un mondo miserabile che vive ai margini della società,
generalmente nascosto e silenzioso. Cline parla spesso di questioni politiche e
sociali utilizzando occasionalmente anche delle scritte. Con una pittura morbida e
quasi nostalgica, crea scene spesso violente, oscure e sessualmente esplicite.



Iain Hetherington (*1978 Glasgow), reduce da un Project Space alla Whitechapel e
da una personale all'ICA a Londra, lavora con diverse tecniche riflettendo sui
significati dell'arte e della pittura con immagini intense e piene di humor.
Recentemente ha ritratto alcuni personaggi con cappelli da baseball e catene dorate,
il volto oscurato da macchie di colore come quelle che si trovano sulla tavolozza di
un pittore. Si potrebbe dire che questi simboli tradizionalmente demonizzati
incorporano forme radicali di soggettività; i dipinti offrono un chiaro significato di
cultura contemporanea, ma anche teste astratte senza volto.



La naturalezza è al centro del lavoro di Laleh Khorramian (*1974 Teheran, vive a
New York) che include pittura, disegno e animazione. L'artista iraniana dipinge con
olio e inchiostro su vetro e poi trasferisce attentamente l'immagine su una carta non
porosa per creare un monotipo. I risultati sono imprevisti e le astrazioni finali hanno
superfici densamente stratificate e screziate che suggeriscono mondi surreali e
underground. Dopo aver identificato suggestivi passaggi di pittura e aver aggiunto
dettagli a mano Khorramian usa le stampe come impostazioni e materiale di base
per le sue odissee animate.



Friedrich Kunath (*1974 Chemnitz, vive a Los Angeles) nel 2008 ha avuto una
mostra personale all'Aspen Art Museum ed è stato incluso al 55°Carnegie
International a Pittsburgh. Recentemente ha partecipato a mostre al Walker Art
Center di Minneapolis, alla Tate Modern a Londra e al Museum für Moderne Kunst a
Francoforte. Da poco si è trasferito da Colonia alla California. Kunath è un artista
eclettico che ama utilizzare le tecniche espressive più disparate (pittura, disegno,
installazione, fotografia, scrittura). Il suo è un lavoro tragicomico, a tratti romantico,
nel disperato tentativo di connettere astrazione e rappresentazione. A volte sembra
di assistere a storie di eroi senza speranza, ma subito dopo ci si accorge (leggendo
un suo titolo folgorante, oppure osservando una sua installazione) che c'è molta
energia vitale ed ironia, nonostante il tutto sembri universale e poco terreno.



Nel lavoro di Kristine Moran (*1974 Montreal, vive a New York) la pittura è assoluta
protagonista. Il colore e le pennellate vigorose interagiscono con uno spazio teatrale
che simula il 3d; un po' come accadeva per Francis Bacon (artista che spesso torna
in mente osservando i suoi quadri) ma tralasciando la figura umana. Gli spazi
rappresentati sono frutto di una disciplina pittorica che viene violentata e sovvertita
da un'atmosfera talvolta apocalittica. Storie di lotta tra vitalità esplosiva e inevitabili
fallimenti.



L'immaginario misterioso di Helen Verhoeven (*1974 Olanda, vive a Berlino) è il
prodotto di una ricerca estesa che trascende i confini storici e culturali, ispirato dalle
immagini di internet, archivi storici e scientifici, dai fantasmi dell'infanzia, dalla ricerca
clinica sugli incubi e dal linguaggio visivo dei film surrealisti. I suoi dipinti combinano
il familiare con lo sconosciuto, costruendo un collage ambiguo di narrazioni non
classificabili. Il risultato sono scene fantastiche e frammentarie, cariche di una
incertezza persistente. Le sue immagini spesso suggeriscono un movimento
sospeso e ridotto ad un momento di contemplazione, concetti elementari come
l'attesa e la partenza, la vita e la morte.



Come per uno scontro antropomorfo, i dipinti di Haeri Yoo (*1970 Corea, vive a New
York) mostrano collisioni incendiate di colori e forme che vibrano e gemono come per
l'arresto improvviso di narrazioni impilate e compatte. Il suo lavoro esplora l'umore
psicologico, la sessualità e la sottile relazione tra bellezza e violenza. Cresciuta nella
cultura coreana, è influenzata anche dalla questione dello "spazio negativo" o meglio
dal vuoto. Ogni segno eseguito con il pennello o la matita, diventa spazio positivo
che ha una memoria dell'emotività dei movimenti in cui sono stati fatti